ТВОРЧЕСКИЕ И АКАДЕМИЧЕСКИЕ ЗАДАЧИ СОВРЕМЕННЫХ ЖИВОПИСЦЕВ

Перед каждым молодым художником, заканчивающим обучение в высшем художественном учебном заведении, стоит проблема создания собственного стиля, выбора своего направления в искусстве, в зависимости от своих взглядов на творчество, своего мировоззрения.

Получив основные академические знания, без которых невозможно художественное образование, человек ставит перед собой задачи найти свой путь в искусстве. В своей работе я хочу проанализировать особенности индивидуальных стилей двух художников, получивших в свое время высшее художественное образование.

Проблема творчества, а в частности, живописи, всегда была актуальна. Ее вполне можно назвать «проблемой века». Исследование живописи — далеко не новшество. Любое творчество всегда интересовало ученых, философов, мыслителей всех времен. Появление новых творческих направлений в живописи связано с жизнью современного человека и общества в целом. Живопись меняется вместе с прогрессом, происходящим в мире и на сегодняшний момент.

Живопись определяется, как вид изобразительного искусства, произведения которого создаются с помощью красок, наносимых на какую-либо твёрдую поверхность. В художественных произведениях, создаваемых живописью, используются цвет и рисунок, светотень, выразительность мазков, фактуры и композиции, что позволяет воспроизводить на плоскости красочное богатство мира, объёмность предметов, их качественное, материальное своеобразие, пространственную глубину и световоздушную среду. Живопись может передавать состояние статичности и ощущение временного развития, покоя и эмоционально-духовной насыщенности, эффект движения. Человек всегда стремился к красоте и гармонии, к самовыражению. Это стремление с древнейших времён проявляется в живописи — виде изобразительного искусства, первые произведения которого можно встретить и у первобытного человека.

В настоящее время, современная живопись, как и современная жизнь шагает стремительно вперед. Она предъявляет новые требования к творчеству художника. Современному художнику приходится выбирать между ранее существовавшим консервативным подходом, абстрактным мышлением, и творческим новшествам. Художники, живущие в наше время, относятся к категории людей с оригинальными нестандартными мыслями и идеями.

На современное искусство, в том числе и живопись, несомненно, оказали воздействие преобразования в общественном устройстве. Например, в России, демократия дала свободу личности. Личность в условиях демократии получила не виданные раньше возможности для проявления своих талантов во всех сферах жизни. Творческая сфера также не осталась в стороне.

Во все времена живопись являлась отражением происходящих вокруг событий и представлений человека о жизненных ценностях. Современная живопись, как и все современное искусство, начинает свой отсчет с 1970-х годов прошлого века и до наших дней. Но нельзя забывать, что русская современная живопись складывалась в эпоху социализма, поэтому имеет много отличий от европейской. Так, к примеру, направление в живописи, называемое постмодерном, сформировавшееся в тот период в Европе, породило в России несколько стилистических ответвлений, тесно связанных с существовавшим строем, в числе которых и соц-арт, возникший в 70-х—80-х годах, как альтернативная вид живописи.

В наши дни появились такие необычные виды искусства, как бодиарт, искусство инсталляции, пинап, автоарт, компьютерная графика и другие. Но до сих пор живопись не сдает своих лидирующих позиций и остается одним из самых популярных видов изобразительного искусства. Все традиционные жанры, такие как пейзаж, портрет, натюрморт, историческая, бытовая и другие по-прежнему востребованы.

Сегодня перед любым молодым художником стоит трудная задача — выбор своего стиля, своего пути в искусстве, «своего» языка. Известный художник и выдающийся педагог Карл Павлович Брюллов говорил: «...подражание кому бы то ни было из мастеров нелепо; да и что за художник тот, который не высказывает своих собственных мыслей и своих собственных чувств? Чем самостоятельнее художник, тем он выше». «… В произведении всегда требуется творческая переработка увиденного художником. Живописец не может пассивно «переписывать» натуру, он должен решить, что следует ввести в создаваемый образ и от чего отказаться».

В данной работе анализируется творчество двух замечательных художников, получивших прекрасное академическое образование и нашедших свой собственный неповторимый творческий стиль.

К известным современным художникам относится Николай Блохин, закончивший в 1995 году Академию художеств им. Репина. Николай Блохин наиболее известен как портретист, однако он пишет и пейзажи, жанровые картины, натюрморты. Свои портреты Блохин пишет, соблюдая законы академической живописи, выявляя личные черты человека через его индивидуальные особенности внешности. Однако нельзя сказать, что его работы лишены творческого содержания. Его работы — это вовсе не фотографии, переписанные с натуры. В портретах Блохина можно разглядеть долю импрессионизма, проявляющуюся в стремлении передать настроение модели или случайность состояния. Благодаря этому, портреты Блохина сохраняют эффект естественности и свежесть первого впечатления. У Николая Блохина есть свой особый стиль, отличающий его от других художников. Его портреты не делятся, но «фон» и «натуру». Каждая работа — это целостная композиция. В его работах присутствует и традиции академического образования, и спонтанность, напоминающая стиль модерна. Сложно составленные живописные аккорды, их свежесть и спонтанность делают портреты художника — от самых ранних («Женский портрет» (1991), «Портрет» (1997)) до зрелых работ 2002—2008 года («Девушка с вязанием», портреты космонавта С. Крикалева, Р. Кеккалайнена), типично «блохинских» композиционных парных женских портретов («Мать и дочь» (2008)), — работами именно Блохина, а не репликами исторических стилей.

Николай Блохин пишет и пейзажи, чаще всего это виды родного Петербурга. Петербург Блохина — это город, который несет в себе тайну, каждый раз дающий импульс для живого, эмоционального переживания его красоты. Художник любит эту дождливую погоду, туман, атмосферу постоянной промозглости и сырости, типичную для города на Неве. Под его кистью серые, тоскливые краски обретают роскошь переливов старинного серебра («Новый мост. Санкт-Петербург», 2006), а размытость силуэтов и отсутствие деталей раскрывают грандиозность пространства идеально спланированного города, выстроенного с размахом и величием («Летний сад», 2006).

Еще одним молодым и очень талантливым современным художником является Зорикто Доржиев. Зорикто родился в семье художников и получил прекрасное академическое образование. Однако художник выбрал свой собственный стиль. В его картинах нет реалистичности. Сам художник утверждает, что живопись должна быть живописной. И его картины как раз оправдывают это утверждение. Хотя у Доржиева есть работы, которые прочно связаны с академической традицией, все ж основным художественным приемом художника является гротеск. Через причудливое сочетание вымышленного и реального, комичного и грустного художник создает особый мир жизни бурят на земле. И убеждаешься, что нет ничего более демократичного и понятного как через добрый юмор показать целостную картину мира. Интуитивно чувствуя всеобщую усталость от концептуализма, он возвращает зрителей к теплой, подчас домашней камерности, рядом с которой так комфортно жить. Человек, получивший прекрасное академическое образование, выбирает свой путь, со своей, ни на кого не похожей, линией рисунка, фактурой, необычным цветовым решением, метафоричностью образов, за которыми проступают особенности буддийского восприятия жизни. Кочевники, воины, богатыри, восточные женщины — любимые сюжеты Доржиева. Взгляд его на древние бурятские, монгольские предания и уклад жизни, слегка ироничен. Да и свои сюжеты он не черпает из конкретных былин, а скорее придумывает их сам, просто соотнося их — с уже существующими. И азиатский миф рассказывается европейским художественным языком. На картине «Войско» художник изображает довольно толстых воинов, совсем не высоких, неказистых, с ногами носками внутрь. Однако все они исполнены достоинства, потому что в каждом мужчине генетически запрограммирован воин. Сейчас этот воин — спящий. Но в нужный момент он проснется, и тогда сила и доблесть, отвага и честь сделают его по-настоящему красивым. Пока же он очень органичен в родной среде, и ничто не омрачает его мирного существования.

У Зорикто Доржиева поразительной точности рука и глаз. Он видит человеческую комедию с неизменным состраданием и изображает монгольское воплощение Моны Лизы в картине «Джоконда-Хатун» с необычайным реализмом, силой и красотой. Художник снова воскрешает в нашей памяти этот неповторимый женский образ, и он вместе с окружающим его пейзажем полностью оживает.

В основном художник пишет маслом, но использует также смешанную технику, добавляя акриловые краски и золотую фольгу. Выставки Зорикто Доржиева уже традиционно не ограничиваются только показом полотен. На них непременно присутствуют дефиле с демонстрацией авторских костюмов, национальная музыка и даже кино.

Проанализировав творчество двух интересных, непохожих друг на друга художников, можно сделать выводы об особенностях их индивидуальных стилей. Николай Блохин идет по пути классического искусства, получив в молодости высшее художественное образование, при этом использует методы импрессионистов, благодаря которым, его работы кажутся свежими и естественными. И за годы работ Николай Блохин сформировал свой собственный, ни на кого непохожий стиль. Это же касается и второго художника — Зорикто Доржиева, в работах которого с одной стороны можно увидеть влияние классического академического стиля, а с другой стороны на него повлиял эпос и декоративно-прикладное искусство кочевых народов (литье, вышивка).

В любой художественной академии студенты, постигая навыки академического рисунка, учатся грамотному, точному рисунку, изучают основы композиции. И для каждого художника академическое образование должно быть основой, базисом для всего его дальнейшего творчества. Но не стоит забывать о творческих задачах, которые должен ставить перед собой любой художник постигающий академическое образование. По мысли педагога Антона Ашбе, для того, чтобы приобрести подлинную творческую свободу, необходимо искать способы изображения натуры в самой натуре. Обращаясь всегда и за всеми справками и знаниями непосредственно к природе, художник поймет, что правил рисунка, как незыблемого свода приема работы не может быть, так как натура каждый раз по-новому заставляет решать изобразительные задачи, но зато есть общий метод работы, обуславливаемый законами натуры и законами ее восприятия.

Какими средствами бы ни пытался выразить себя художник, к какому стилю бы ни относил он свое творчество, он должен знать основу своего ремесла — гармония цветов, правила композиции, правила построения рисунка. Без этого достичь успехов в искусстве практически невозможно.

Несмотря на то, что современная ситуация в искусстве дает огромные возможности для самовыражения (это может быть традиционная живопись или любое из современных течений), все же, любое творчество должно быть наполнено энергией художника, его мыслями, чувствами и переживаниями, его верой в собственную идею, которую он пытается донести до людей. Как говорил Аполлинарий Михайлович Васнецов: «Бесспорно, значительный художник никогда не повторяет и не идет по проторенной дорожке, но ищет новых путей, создает новые образы и порождает целые школы последователей».

Список литературы:

1. Андреева С.Ю. Постмодернизм: Искусство 2 половины XX — начала XXI века. СПб.: Азбука-классика, 2007.
2. Грушевицкая Т.Г. Словарь по мировой художественной культуре. — М.: Академия, 2001.
3. Краснова О.Б. Энциклопедия искусства XX века. — М: ОЛМА-ПРЕСС, 2003.
4. Ростовцев Н.Н. и др. Рисунок. Живопись. Композиция: Хрестоматия: Учеб. Пособие для студентов худож.-граф. фак. пединститутов. — М.: Просвещение, 1989.
5. Ростовцев Н.Н. Очерки по истории методов преподавания рисунка. — М.: Изобразительное искусство, 1983.