Корни авангарда в искусстве художников «Парижской школы»

The roots of avant-garde in the work of ‘School of Paris’ artists

Natella Molova

student, Lomonosov Moscow State University–MSU, Russia, Moscow

Аннотация. Современное искусство включает в себя множество художественных направлений, в которых одно актуальное течение сменяет другое. Цель данной статьи - раскрыть историю зарождения авангарда через искусство художников Парижской школы и описать влияние, которое было оказано ими на культуру будущих поколений.

Abstract. There’re several artistic movements and styles in the modern art changing one another. The article reveals the early history of avant-garde through describing the art of the School of Paris artists and its influence on the next generation’s culture.

Ключевые слова: авангард; современное искусство; Парижская школа; фовизм; история искусств.

Keywords: avant-garde; modern art; School of Paris; fauvism; the history of art.

История современного искусства имеет хитросплетенную систему истоков и предпосылок, лежащих в основе ее развития, как самостоя­тельной культурной единицы. Есть также различные трактовки понятия «современное искусство», отталкиваясь от которых, можно выявить связь между ранними явлениями авангардного творчества и новейшими постмодернистскими течениями. Существует ряд ранних культурных явлений, которые легли в основу развития нового искусства, и одним из самых масштабных можно по праву назвать Парижскую школу, объединившую под своим началом лучших мастеров своего поколения со всего мира: Писсаро, Монэ, Манэ, Пикассо, Сезанн, Гоген, Матисс, Шагал, Модильяни и многие другие нашли себя в столице Франции в конце XIX– начале ХХ века.

Начать историю Парижской школы можно с упоминания Сезанна – недаром он считается визионером своей эпохи и неофициальным отцом кубизма. Многие течения, ныне известные нам в современном искусстве, своим появлением обязаны смелости и новаторству Сезанна. Этот художник нашел совершенно свежий подход к изображению привычных бытовых сцен и предметов обихода, что и позволяет нам говорить о нем, как об одном из самых влиятельных мастеров неакадемической живописи. Вместе со своими друзьями Писсаро и Монэ, Сезанн стоял в оппозиции к традиционному искусству, из-за чего прак­тически всегда сталкивался с негативными отзывами о своих работах, которые соответственно приводили к низкому достатку художника. Он участвовал в скандальном «Салоне отверженных» в 1863 – за несколько десятилетий до появления фовизма, проложившего дорогу многим авангардным художникам после него. Используя лишь несколько простых геометрических фигур – шар, цилиндр и конус – Сезанн создавал уникальные пейзажи и натюрморты, сочетавшие в себе глубину и плоскостность, подчинение законам перспективы и упрощенную геометричность образов.

Сильнее всего на художников ХХ-го века повлиял поздний период творчества Сезанна: его натюрморты демонстрировали абсолютное новаторство в своей первозданной простоте, в своей глубине и незамысловатости. Художник со своими товарищами отказывается от общепринятой иерархии жанров, в которой натюрморт несправедливо занимал низшую позицию. Ему удалось изменить восприятие простых предметов при помощи уникального искажения перспективы: на кар­тинах каждый предмет будто бы смотрит на зрителя, некоторые места намеренно незакончены.

С переездом на юг Франции, начинается знаменитая серия «Купальщиков» и «Купальщиц» Сезанна. Эти картины глубоко поразили художников современников, они повлияли на формирование авангарда, как живописного течения. Но зрители этого энтузиазма не разделили: лишь после смерти Сезанна, на Осеннем салоне 1907 года, публика отдала дань уважения великому художнику – он навсегда остался вписанным в историю искусства, как вдохновитель Парижской школы.

Работы Поля Гогена, несомненно, легли в основу будущей эстетики новых направлений: фовизма и экспрессионизма. На своем первом Осеннем салоне в 1876 успеха также не имел и переехал в Бретань. На Гогена очень существенно влияли клаузонисты и синтетисты, его главная работа Бретоньского периода – Желтый Христос. Гоген стремится к упрощению средств выразительности, к более первозданной художественности в своих картинах. Особую роль тут играет цвет – желтый не выражает буквального состояния вещей, он играет условную роль и передает лишь образное цветовое восприятие. Художник категорически не верил в подчинение цвета на картинах природе, оттого его решения часто были весьма необычны.

В поисках альтернативы богемному французскому обществу, Гоген переезжает на Таити, стремясь постигнуть дикую и необузданную красоту местной природы и жителей. Его картина «Женщина с манго» 1892 года, изображающая его молодую жену, задает совершенно новый тон стилю художника. Теперь он восхваляет примитивный быт и жизнь на природе, все также стремится к упрощению и экспериментирует с цветом.

В последних работах Гоген пробует философский символизм, что впоследствии скажется на таком популярном течении, как концептуализм. Салоны 1903 и 1906 года наконец принесут ему славу (посмертно). Гоген стал важнейшим выразителем современных идей в изобразительном искусстве.

Говоря об истоках авангарда, невозможно не рассмотреть более подробно движение фовистов, о котором уже неоднократно упоминалось ранее. Это движение сыграло важнейшую роль в развитии евро­пейского искусства ХХ века и задало темп стремительному развитию новых направлений. В ряды известных фовистов можно включить Анри Матисса, Андре Дарена, Мориса Вламинка, Киеса Ван Догена, Альбера Марке и других. Само это слово fauve– безумный - появилось в прессе, освещавшей Осенний салон 1905, который и впрямь был неоднозначно принят публикой. Уже вполне заметна закономерная тенденция: прогрессивное искусство начала ХХ-го века популярностью не пользовалось и современниками было отвергнуто.

Невозможно представить живопись ХХ-го века без Анри Матисса. Он также, как и многие его товарищи по Парижской школе, отказывался от стандартов академической живописи и стремился создавать что-то принципиально новое и актуальное свободному духу своего времени. Легко узнаваемы сильные и слегка небрежные мазки кисти Матисса: он считал, что истинное искусство рождается не из таланта или развитого навыка, а из жизненной силы художника, его инстинктивного понимания мира и ощущения реальности. Матисс мечтал об освобождении живописи от гнета предметности. Его искусство не нуждалось в формальном соответствии природе, ведь оно источало свободу воображения художника. Цвет на картинах почти никак не связан с предметами, изображенными на холсте, он скорее выполняет организационную функцию, выделяя замысловатые контуры и детали. Представляя свою «Женщину в шляпе» на Осеннем салоне 1905-го года, Матисс действительно сумел шокировать зрителя своей смелой трактовкой реальности. Эта картина вобрала в себя те изменения, которые претерпевала художественная культура в начале века и являлась своеобразным символом истоков авангарда. Стоит отметить, что Франция того времени являлась крупной колониальной империей, и художники имели возможность черпать вдохновение в экзотических местах и их жителях, которых можно было повстречать даже в самом Париже. Культура колониальных народов сильно влияла и на Матисса, который использовал в своем творчестве элементы исламского и африканского искусства, и даже некоторое время жил в Алжире. Культовый «Танец», заказанный меценатом Щукиным для своего особняка в 1910, стал своеобразной визитной карточкой художника. Когда же под конец жизни Матисс оказался прикованным к постели из-за болезни, он увлекся коллажами из вырезанных и окрашенных гуашью кусков бумаги, которые вступали в своеобразный диалог с американским экспрессионизмом.

Другие художники-фовисты Андре Дерен и Морис Вламинк основали объединение «Школа Шату» и в основном занимались изобра­жениями окружающей их местности в манере Ван Гога и постимпрес­сионистов. В Коллиуре Дерен и Матисс находят неиссякаемый источник вдохновения в цвете, который уже давно не несет свою изначальную функцию в картине.

Как и многие другие творцы начала века, фовисты часто изображают женщин полусвета, как бы сочувствуя их нелегкому труду и подчеркивая их важность для духа времени. Порой же такие изображения носили сатирический характер, высмеивающий продаж­ность современного общества, как это делал Вламинк в своей фирменной саркастической манере. Этот иронизм также оказал огромнейшее влияние на концептуализм конца ХХ-го века, который невозможно понять и прочувствовать без определенной доли юмора. Несмотря на свою стихийность и недолговечность, фовизм навсегда изменил восприятие современников искусства и проложил дорогу будущим поколениям новаторов живописи.

Амедео Модильяни учится на опыте своих современников и перенимает актуальные течения современного ему искусству – фовизм и постимпрессионизм. Он пишет в основном портреты, постепенно переходя на скульптурное творчество, «заразившись» страстью Пикассо к африканской культуре аборигенов и архаичному искусству. Позже, вернувшись к живописи, Модильяни сохраняет свою скульптурную манеру изображать лица и предметы, что в итоге складывается в его собственный уникальный стиль. Эта живопись слегка склоняется в сторону кубизма, что в очередной раз свидетельствует о том, что именно в эту эпоху зарождаются истоки будущего актуального искусства, которое сейчас так хорошо нам известно. Выставка серии «Обнаженных» - пожалуй, самая провокационная работа этого художника, она даже была закрыта на второй день по соображениям «непристойности». В очередной раз публика оказалась не готова к смелым экспериментам художников-визионеров, что, по видимости, лишь в очередной раз указывало на беспрецедентное новаторство их работ.

Это лишь некоторые примеры того, как Парижская школа, объединив под своим началом самых разных художников с их такими разными, и в то же время, такими схожими взглядами на искусство, запустила процесс развития авангарда и современной живописи в том виде, в котором ее знаем мы сейчас.

Сложно переоценить культурную важность этого удивительного феномена, этого города, которому удалось стать центром притяжения ярчайших талантов со всего мира, а также вдохновить их на создание принципиально нового вида живописи. Современное искусство будет вечно находиться в неоплатном долгу перед художниками Парижской школы, которые невзирая на все трудности - бедность, голод, неприятие, одиночество - сумели пронести свою идею через года и подарить новому поколению возможность засвидетельствовать невиданное раннее искусство.