Образ танца в искусстве европейских и русских художников

Древнейшим из искусств, отражающим потребность человека выражать чувства, эмоции и образы, является танец. Танец – особенный вид искусства, в котором в качестве инструментов выступают ритмичные, выразительные движения тела человека, выстраиваемые в определённую композицию и обычно исполняемые с музыкальным сопровождением. Ученый – антрополог Джоан Кеалиинохомоку определяет танец как мимолетный способ экспрессии, который происходит в определенной форме и стиле через пластику и движения тела [1]

Начиная с эпохи Возрождения, танец в изобразительном искусстве визуализирован с возрастающей степенью реалистичной достоверности в передаче танцевальных движений.

В 1568 году нидерландский художник Питер Брейгель Старший написал картину «Крестьянский танец». Полотно изображает веселящихся крестьян. Все фигуры написаны очень масштабно, люди веселятся, танцуют и выпивают. Пара, изображённая на переднем плане справа, торопится, чтобы присоединиться к основной массе танцующих. Кажется, что время на секунду остановилось, чтобы дать кисти художника запечатлеть движения тел, мимику, жесты, которыми обмениваются танцующие. Парочки танцуют, каждый по-своему, люди за столом о чем-то оживленно разговаривают, из домов выходят все новые жители и вступают в пляс. Художнику интересны лица, жесты, манера движения. Толпа крестьян, захваченная стремительным ритмом танца, своей стихийностью напоминает природный смерч. Резкое перспективное сокращение подчеркивает размах пляски и ее всеохватный характер. При помощи этих грубоватых и сутулых крестьян Брейгель показал ту могучую силу, которой является народ, ведь стоит ему расправить плечи, так, как это показано в танце, и все кажущееся могущество богатых рухнет в небытие [2].

Картины голландских и фламандских мастеров «Крестьянский танец в таверне» Адриана ван Остаде, «Крестьянский танец» Адриана Питера ван дер Венна, «Таверна с парой танцоров» Давида Тенерса Младшего, «Сельский танец» Питера Пауля Рубенса, «Танцы» и «Танцы на веранде» Яна Стена другие ярко показывали, что народ умеет и любит веселиться, и когда ему хорошо от успешно собранного богатого урожая или выпитой кружки пива, то он пускается в пляс.[3].

Изображения танца XVI-XVIII вв. позволяют проследить становление искусства хореографии, переход от фигурного балета к классическому танцу. Яркими примерами являются французские гравюры «Балет польских послов», серия офортов Жака Калло, посвященная карнавальным празднествам во Флоренции [4]. Также, с сер. XVI в. начинает отчет иконография выдающихся артистов балета.

Французский художник стиля рококо Никола Ланкре создал множество портретов актеров и актрис, часто показывая их в жанровых сценах или в работе. На картине Ланкре «Танцовщица Камарго», изображена одна из известнейших балерин того времени, талантливая актриса Мари-Анна де Кюпи Камарго. Н. Ланкре сосредоточил внимание на легкой, изящной фигурке танцующей актрисы, Балерина в платье золотистого цвета, декорированном изящными цветами, исполняет танец перед зрителями, словно перед публикой. Портрет получился таким притягивающим взгляд благодаря мягкому колориту и легкому, изящному исполнению в стиле рококо [6]

В XIX веке коренным образом отношение к танцам в живописи изменили импрессионисты. Самым признанным мастером танца в импрессионисткой живописи был французский художник Эдгар Дега, которого называли живописцем танцовщиц. Одна из самых знаменитых танцевальных картин великого художника Э. Дега «Голубые танцовщицы» удивляет удивительной поэзией линий и цвета, ощущением движения в каждом мазке. На картине мы видим четырех балерин в небесно-голубых пачках, девушки изображены сверху. Такое композиционное размещение фигур танцовщиц вовлекает зрителя внутрь картины и создаёт ощущение, что танец балерин уже начался, а они сами уже полностью погружены в свои образы – начинается представление. Здесь чувствуется атмосфера, пропитанная вдохновением предстоящего танца. Асимметричность композиции и обрезанные края делают картину похожей на случайно брошенный взгляд, сиюминутную сцену, которая ценна своей неповторимостью. Сияние голубого цвета, то насыщенного синими оттенками, то переходящего в изумрудные тона, сверкание на корсажах и в волосах балерин – все это завораживает своей легкостью, одухотворенностью. Словно в дымке застывшие на полотне танцовщицы вот-вот начнут танцевать. Они образуют единое целое, своей пластикой передавая идею гармоничного, слаженного и развивающегося движения. Очарование полотну придают крупные голубые мазки. Этим приемом художник добился максимального насыщения цветом, от картины исходит живое тепло, погружающее зрителя в волшебную атмосферу танца. [5]

Многие мастера конца XIX – начала XX столетия обращались в своем творчестве к теме танца. Анри Матисс не исключение. На картине «Танец» изображены ярко-красные обезличенные фигуры, кружащиеся в безумном хороводе, сливающиеся в едином порыве. Фон отсутствует, нет лишних деталей только динамика движений, экспрессивная грация и пластика. Картина, словно живет, зритель, словно чувствует вибрации и готовы присоединиться к пляшущим. Танцующие А. Матисса не идеальны, они словно из другого мира, но удивительно притягательны и красивы, а мазки передают эмоциональный экстаз. В тоже время танец отличается благородством, естественностью и легкостью [7]

Картину чешского художника Альфонса Мухи «Танец» также относят к жемчужинам мирового наследия. Полотно относится к стилю модерн. Из-под кисти художника шедевр вышел в 1897 году. Главный образ композиции «Танец» – девушка на полупальцах с развевающимися волосами. Своей позой она напоминает скульптуру «Вакханка» древнегреческого мастера Скопаса: так же отклонен назад корпус, тот же поворот головы. Неповторимую энергию движения передают закручивающиеся по кругу пряди длинных волос и летящие одежды женщины, вторящие ее танцу. Героиня картины динамична в своей неподвижности. Ее рыжие волшебные волосы, подол легкого платья, драпировка позади – все находится в танце. Ее образ изобилует элементами орнамента, что позволяет ей не затеряться среди столь доминирующих деталей. Картина «Танец», полна движения, женственности и полета [8].

Показательно, что творчество многих русских художников конца XIX- начала XX века пронизано балетом. Образы звезд русского балета выступали символом, воплощением идеального представления о мире.

Русский художник Валентин Серов всегда был близок к миру театрального искусства. Мастера привлекала выразительная чистая и гибкая линия, проводимая карандашом на листе бумаги. В работе «Портрет балерины Т. Красавиной» певучая линия, скользит легко и беспрерывно, то прерывается и исчезает, обрисовывая изящную фигуру артистки. Два-три штриха дают намек на легкое платье, облегчающее гибкий стан. Рисунок Серова отточен, не перегружен подробностями, в нем много воздуха и света, каждый штрих осмыслен и обязателен.

Рисунок «Анна Павлова в Сильфиде» исполнен В. Серовым для плаката к выступлениям русского балета в Париже. На синем холсте мастер изобразил мелом грациозную балерину – Анну Павлову, застывшую в па. Гибкая, музыкальная, с полной жизни и огня мимикой, с удивительной воздушностью, грациозная танцовщица, застыла в полете на грубом холсте глубокого насыщенного синего оттенка. Балерина показана во весь рост, в профиль, в натуральную величину. Силуэт её нанесён мелом, хрупкий и осыпающийся, как и весь еле уловимый очаровательный образ балерины. Кроме головы и лица все остальные детали образа едва намечены, фигура танцовщицы иллюзорна. Она как прекрасное видение влечет за собой своими бессмертными движениями, ее сила заключается в хрупкости и виртуозном исполнении танца[9].

Серебрякова Зинаида одна из первых русских женщин, вошедших в историю живописи. Ее увлекает мир театра, его красочность, приподнятость чувств: ведь для нее самой искусство всегда было радостью и праздником.

Балерины Серебряковой – это, прежде всего, артистки, получающие удовольствие, а не испытывающие трудность от того, чем они занимаются. Серебрякова, как правило, изображала портретируемых в костюмах, в которых они выступали. Пышные, туго накрахмаленные пачки динамичны по формам. Тонированные или заштрихованные фоны создают ощущение световоздушной среды, легкого движения теней. Несмотря на то, что большинство работ проникнуто любовью художницы к театральности, которая проявлялась в линейной изысканности силуэтов, в осанке и пластике персонажей, образы полны внутреннего напряжения. Балетные портреты, написанные Серебряковой, восхищают артистичностью и одухотворенностью образов. Это собрание героев в сказочных костюмах, которые очаровывают зрителя своим обликом, полным красоты и гармонии, доброты и нежности [10]

Советская изобразительная балетная тематика продолжала черпать идеи и образы, мотивы и сюжеты из шедевров классики.  Трудно назвать известных исполнителей, которые бы оказались обойденными вниманием художников. Г. Уланова, Р.  Стручкова, И.  Колпакова, Е. Максимова, Н. Бессмертнова, Л. Семеняка, М. Плисецкая – все нашли отражение в изобразительном искусстве.

И. Баранова в образе Жизели, изображенная С. Сориным, будто парит на листе, повисая в воздухе. Тонкая и мягкая штриховка графитного карандаша создает неземной образ, прозрачный и нежный. Словно освещенная изнутри светом собственной любви представлена балерина на картине М. Клионского «Народная артистка СССР И.А. Колпакова в роли Жизели». Это жизнерадостное, какое-то удивительно ласковое и ясное существо в бело-синем платье казалось специально созданным для счастья [11]

Русского художника Валерия Косорукова, называют «русским Дега». В свое время главной темой его творчества стал именно балет. Художник смог изнутри понять и выразить сложный мир балетного искусства. Следует отметить яркую индивидуальность художника, который в состоянии уловить самую сущность танца. Первый альбом Косорукова – «Балет», был издан «Советским Художником» в 1966 году. Трагической и призрачной красотой был привлекателен для В. Косорукова мир Жизели Натальи Бессмертновой. Традиционную тему ее жертвенности олицетворяли многочисленные рисунки художника, изображающие хрупкую фигурку, окруженную облаком тончайшего тюля. Жизель Н. Бессмертновой на картине Косорукова, так же как на сцене, была затушеванно-туманной, влекущей и бестелесной. Цвет на рисунках условен. Художник не стремится с его помощью передать естественную окраску лица, фигуры, одежды. Цвет для него - сопоставление туманных, нежно-пепельных тонов - прежде всего средство, с помощью которого он желает вызвать у зрителя настроение легкой печали и меланхолии. Художник использует методы импрессионизма, его работы наполнены игрой света и цвета. Изысканная пастель «Н. Бессмертнова – Жизель» В. Косорукова стала не только личной эмблемой художника, но и символом советского балета [12]

Тесный союз танца с изобразительным искусством прослеживается на всем протяжении их существования.  Художников разных эпох увлекала задача средствами живописи, графики, скульптуры передать образ танца, линией, краской, светотенью изобразить его, увидеть совершенство движения и тонкую одухотворенность, владеющую танцующими людьми и связывающую их в едином художественном действии.